NekoUshiの音楽帖＋α

前回の記事で触れた無謀曲ならぬ無謀本(笑)、青柳いづみこさんの『音楽と文学の対位法』の読書メモをお届けします～～
読書メモというか、厳密に言うと、読もうと思って玉砕した記録です＼(◎o◎)／！

まずは、どういう本か、背表紙に書いてあった概要を紹介しますと、

モーツァルト、シューマン、ショパン、ワーグナー、ラヴェル、ドビュッシー。六人の大作曲家は同時代の文学とどう関り、互いにどう影響し合ったのか。音と言葉を往還するモノ書きピアニストならではの切り口で、名曲誕生の背景に光を当てた比較芸術論。

第1章は、『モーツァルト――カメレオンの音楽』。
この章は、何が書いてあるかは分かりました。モーツァルトの音楽の気まぐれというか変わり身の速さについてです。明と暗や、深刻さと能天気さ(笑)の間をいきなりワープしてしまうような感じ。私自身「モーツァルトの音楽って、聴くにせよ弾くにせよ、真剣に追いかけて行こうとすると身をかわされる感じがする。モーツァルトの手紙の文章と同じ」と前から密かに思っていたので、この章には納得できました。

第2章は、『シューマンとホフマンの「クライスレリアーナ」』。
シューマンと言えば、E.T.A　ホフマンです。この章は王道の取り合わせです。ホフマンは「作曲もする小説家」だし、シューマンは文学に傾倒した音楽家。二人とも音楽評論を書いています。ホフマンの音楽評論集「クライスレリアーナ」にインスピレーションを得てシューマンが『クライスレリアーナ』を作曲したのは有名な話ですね。
シューマンの音楽評論の主役は架空の団体「ダヴィッド同盟」です。男性的、攻撃的人格を表したフロレスタン、女性的、内向的人格を表したオイゼビウス、中庸を守る秩序と規範の象徴ラロ、筆記者のユリウス…。中心となるのはフロレスタンとオイゼビウスで、彼らの架空の会話によって話が進むのです。「ダヴィッド同盟」はシューマンの音楽の世界にも進出して(ダヴィッド同盟舞曲集とか…)、まさにこの本のタイトル通り「音楽と文学の対位法」を織りなしています。
で、ふと気づいたのが、私のレッスン記みたいだな、と(笑)　架空の先生と生徒がレッスンを進めてる。シューマンに関心を持ってしまうのも当然かも、と妙に納得が行きました。

第3章は、『ショパンとハイネ』。
前半は画家のドラクロワなんかがメインで、ショパンとジョルジュ・サンドの話を展開していたりして、主題はどこ？的な状態です(笑)　中盤以降、ショパンと並ぶ主役は、ドイツの抒情詩人ハインリッヒ・ハイネ。名前は聞いたことある気がするけど作品を読んだ記憶はありません。ハイネを登場させた、いづみこ先生の意図は「反ロマン主義」という共通点に着目したということらしいです。
ハイネは『フランスの舞台芸術について』という本の中で、ショパンについて、

彼はヴィルトゥオーゾであるばかりか、詩人でもあります。自分の魂のなかに生きるポエジー（詩情）を具現化することができるのです。彼は音の詩人であり、…、もはやポーランド人でもドイツ人でもないのです。もっと高貴な出であることが分かります。私たちは、ショパンがモーツァルト、ラファエロ、ゲーテと同じ国の出であること、彼の祖国がポエジーの夢の国であることに気づくのです。

と、書いているそうです。そして、いづみこさんによれば、音楽はポエジーを感性に直接働きかけることができるのでドイツ・ロマン派の詩人にとって憧れの的だったらしい。詩は言葉を介して働きかけるので、言葉が持つ冷静に思考する理性というくびきを外しにくいのに対して、音楽はそういう回り道から解放されているから素晴らしい、ということです。言葉は思想を明確に定義してしまうが、音楽はそうではない、というような表現もしています。ショパンの時代はロマン派が台頭してきて、音楽を文学的に作ったり解釈したりする風潮が高まってきます。ショパンはこうした傾向に反対で、標題なんてもってのほか！！なのです。音楽はせっかくポエジーを直接感性に届けられるのに、それを文学にかぶれて言葉を介して遠回りするとは何事か（←いづみこ先生の文を意訳するとこんな感じで間違いないはず）とショパンは思っただろうなぁということです。
このショパンに関する章も、なるほど！！と思いました。そういえば、なかみっちゃんも音楽と言葉について「音楽は不完全な伝達手段だからこそ、意味が一つに固定されていなくて素晴らしい」的なことを言っていた記憶があります。

第4章は、『ワーグナーと倒錯のエロス』。
いや、正直言って何書いてあるのか全然分からなかったです(笑)
途中で放棄して次の章に進みました(^^;;

第5章は、『ラヴェルとレーモン・ルーセル』。
私にはイマイチよく分からないラヴェルの世界を理解する手掛かりになるかな？と淡い期待をして読んでみたのですけど、やっぱり分からなかったです(*_*;　ラヴェルさん、聴いている分には素敵なのですが、弾こうという気は今のところほとんど皆無です。よく分からないまま次の章に進みます。

第6章は、『ランボーの手、ドビュッシーの手』。
いづみこ先生の専門、ドビュッシーの登場です（ラヴェルもご専門ですが）。ドビュッシーの音楽学生時代の話が面白かったです。ドビュッシーは、即興の名手ではあったのだけど、手が不器用でピアノ科の成績は散々（特にベートーヴェンが苦手らしい）、和声学も禁則（平行4度、平行5度、平行8度）を犯しまくって、これまた落第生。作曲では何とかコンクールの大賞をとれたものの「不明瞭な調性、適正音域や音色をほとんど無視して書かれた声部やいくつかの混乱がある」と批判が新聞に載ったらしいです(^^;; 25年ぐらい前のリアルのレッスンで初めてドビュッシーの曲がレッスン曲候補に挙がった時に私が感じたことを正確な文章にすると、まさしくその批評の通りのことを感じていたような気がします。先生に「あんまり気乗りしない感じね～～」と言われてお蔵入りしました。でも、そういうところこそ、ドビュッシーの魅力なんですけどね。
いづみこさんは、

いくら突飛な和声で人々を驚かせても、ドビュッシーには、自分の音楽言語は常に有機的で、人を楽しませる美、感じ取ることのできる美の範疇を越えないという認識があった。実際に、ドビュッシーの和声言語は、十三の和音のように革新的なものでも広義の自然倍音列のなかにおさまっている。有機的な語法にとどまりながら「可能なかぎり遠くに行く」のがドビュッシーの目的で、…

と、書いています。音楽は美しくなければならないということですね。これはモーツァルトの精神と同じです。ワーグナーとラヴェルの章を飛ばしてしまいましたが、これで何とか「対位法」が繋がった気がします(≧▽≦)

無謀本の読書、とても骨が折れましたけど、それに、全部は読めませんでしたが、でもそれなりに楽しかったです～～(^^♪


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tag : 青柳いづみこ,音楽と文学の対位法,モーツァルト,ショパン,ドビュッシー,

私のピアノにおける最大のコンプレックスは、指が素早く動いてくれないことです。チェルニー40番こと「速度練習曲」に執着しているのもそれが原因です。実はチェルニーが思いのほか楽しいというもあるんだけど…(笑)　さて、昨日記事にした『ピアニストは指先で考える』（青柳いづみこ）に、速く弾くための練習について書かれていたので、自分用の覚書も兼ねて紹介します。

それによると、速く弾けない人には二つのタイプがあるそうです。

一つは、フレーズをまとめて捉えられない人です。私はあんまり当てはまらないような…。
この場合、一つ一つの音を誠実に弾こうとするので、どうしてもあるところからテンポが上がらくなるそうです。こういう時に有効なのはリズム変奏練習らしいです。ただ、漫然とやっていても「勤勉に練習したという満足感」しか得られません。リズム練習をするときに意識すべきことは「指が走る部分と止まる部分をはっきり分けること」だそうです。



↑こういったパターンにおいて長い音符ではしっかり止まる意識を持ち、短い音符では走る（1個ずつしっかり弾くのではなく）意識を持つということですね。走る感覚を少しずつ身に着けて、次はリズム変奏を解除して全体的に「走る」ようにするというわけです。ちなみに、いづみこ先生は、上図の3番目のリズムをもっと鋭くした「複付点8分音符＋32分音符の3連符3つ」をよく使われるとのことです。音符3つ分速く流す3連符入りが、この目的のためには効果的に思えます。

速く弾けない人のもう一つのパターンは、筋肉に瞬発力がない人、スポーツ選手で言ったら長距離型だそうです。筋肉の質によってタッチのスピードが速い人と遅い人がいて、後者ですね。どうも私はこれに該当するような気がします。このタイプにスピードの速いタッチを習得させるには、指先のすばやいスタッカートがいいらしい。手首を使った柔らかいスタッカートでは駄目で、あくまで手首の力を借りずに、根元の関節から鋭いスタッカートを打ち下ろす。で、いづみ子先生のおススメはダブルスタッカート（2連打）やトリプルスタッカート（3連打）だそうです。そういえば、ブログ仲間の方が習っている先生にダブルスタッカートやトリプルスタッカートをやるよう言われたという話を読んだことがあり、早速真似してみた記憶があります。

リズム練習もスタッカート練習も全く目新しい練習法ではありませんが、理屈が分かった上でやると、効果も倍増するに違いありません(^^♪

そして、気づいたら、月に2桁回数更新のノルマが途切れずにすみました＼(^o^)／
応援やご心配をくださった皆様、ありがとうございました<(_ _)>


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tag : リズム変奏,リズム練習,スタッカート練習,青柳いづみこ,ピアニストは指先で考える,

最近、青柳いづみこさんの本がマイブームです。1か月ぐらい前には、いづみこさんの『指先から感じるドビュッシー』を紹介する記事を書いています。今回はエッセイ集『ピアニストは指先で考える』（中公文庫）です。あまりの面白さに、350ページぐらいの本ですけど、2日で読み終わってしまいました(≧▽≦)

この本は、ムジカノーヴァ誌などに連載されていた記事をまとめたもので、裏表紙に書いてあるあらすじによりますと、

親指、爪、眼、足…。身体のわずかな感覚の違いを活かして、ピアニストは驚くほど多彩な音楽を奏でる。そこにはどのような秘密があるのか？鋭敏な感覚を身に着けるにはどうすればよいのか？モノ書きピアニストとして活躍する著者が綴る、ピアニストの身体感覚とは。

内容が豊富過ぎて、全容をご紹介するのは無理ですので、特に印象に残った話をピックアップしてみます。

1つ目は、「楽譜に忠実」の意味するところについて。作曲家の矢代秋雄さんの次の言葉を引用することで、その真の意味を教えてくれています。

『楽譜に忠実』ということは、現代的センスを備えた演奏家の第一の美徳である。が、ほっておくと、楽譜に書いてないこと、すなわち楽譜に書ききれないことについては、何ら考えずに素通りしてしまう演奏家が多い昨今ではある。私が望むよい演奏とは、私が楽譜に書ききれなかったことを推察し、見出し、解釈し、具体的に示してくれるようなものを指すのである

ここ読んだ時、凄い！！と感動しました。

2つ目は、演奏の解釈をめぐって、先生の言うことを素直に聞くかどうかという話。これについて、いづみこさんによると、日本の生徒は先生の言うことを素直に聞き過ぎるとよく言われ、欧米の学生は自説を臆することなく先生にぶつけて議論するとか言われるけど、実は海外のピアニストも意外と先生の言うことを素直に聞いているとか。ドビュッシーの全曲録音をした海外のピアニストたちに「この部分はどうしてこのように解釈したの？」と聞いてみたら「先生にそう教わった」という答えが一番多かったそうです(笑)　

クラシックの演奏は伝承芸能的な面があるので、お師匠さんに伝えられたことを身体に覚え込ませて後進に伝えていくものだし、ピアノみたいに大変な楽器は、ある程度素直でききわけのよい生徒じゃないと、厳しい練習にも耐えられないかも、と分析しておられます。余談ながら、教わったことをしっかり体得する中から自然と個性や独自の解釈が生まれてくるのであって、無理して個性を出そうとするのは本末転倒だと、私は密かに思ってました。
で、素敵なのはこの先。いづみこさんは

他の作曲家については同じような状態だが、ドビュッシーとラヴェルだけは、いくらか研究したので自分なりの解釈を持っている。というより、先生がおっしゃったことや世間一般で常識と思われていることと自分の直感が食い違っていたので、それを証明したいと思って研究をはじめたようなところがある

と書いています。何とカッコイイ！！

3つ目は暗譜に関する話です。いづみこさんは初見は得意だけど暗譜は苦手なタイプらしく、できれば暗譜したくなさそうな書きぶりです。

現在ではソリストが譜面を見て弾くとびっくりするが、1840年代ごろは、巨匠の作品を楽譜なしで弾くのは「その人の芸術に敬意を払っていない」とされ、むしろ批判の対象になった

らしいです。暗譜できない私としては、とても勇気づけられます！！これからは、「私は作曲家に敬意を払っているので暗譜しません」と豪語することにしましょう。できないのとしないのは全然違うことですけど、その辺は気にしないということで…。

最後は、ピアノとか芸術に全く関係ない、部屋の散らかり具合の話です(^^;;

モノ書きの部屋、というのは、散らかっていていいことになっているらしい。（中略）
かくいう私のモノ書き部屋も、すごい。パソコンのまわりは、本やCDの他にも、指輪に腕時計、EMSベルトに電池、目薬に水虫の薬、リップクリームに爪切り、歯ブラシに耳かき、お茶のコップにチューハイの空き缶…・

なんて、書いてあります。いやあ、どこまでが実話でどこまでがネタなのか分からないけど、これはヒドイ！！笑　ま、高尚な話とこんな話が入り混じっているところが、この本の魅力の一つでもあります。

もちろん、テクニック的なヒントも満載です。何と言っても「指先で考える」本ですから。
気になったテクニックや練習法は改めて記事にするかも…。でも、ぜひ実際に手に取って読んでみてください！！『指先から感じるドビュッシー』についても「おススメの本です！！」と書きましたが、話題がさらに豊富で、お値段もお手頃なこの本は、さらにおススメです('◇')ゞ


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tag : 青柳いづみこ,ピアニストは指先で考える,

最近すっかりハマっている『指先から感じるドビュッシー』（青柳いづみこ著、春秋社）より、今回は、色々な音色の出し方についてのタッチの解説を取り上げます。昨日の脱力に関する記事で「機会があったらご紹介します」なんて書きましたが、善は急げです！！

以下、同書の「タッチと音色のいろいろ」と題する章の要点メモです。
いづみこ先生の文章は、いつもながら、とても分かりやすいです(≧▽≦)

・のびる音
タッチのスピードと深くかかわっている。スピードが速すぎると固く冷たい音になる。アタックせず、指の腹でじわっと、しかし、ある一点で確実に鍵盤の底に力を伝えるように工夫すると、あとになってぐっとのびる音が出る。たっぷり響かせたい時は「じわっと」のタッチに重さの助けを追加。

・鐘のような音
指先を固く金属の棒のようにする。腕全体が鐘を響かせる撞木（しゅもく）のようなイメージで、タッチしてからすぐにペダルの中に開放する。そうすると、カーン、チーンといった音が出る。

・ボーンという音
肩を起点に腕全体を使って、重さを十分にかけて音を出す。かかった力は手首や肘で逃がす。そうしないと固い汚い音になってしまう。

・歌う右の4の指
4の指は一番弱いが一番歌える指。ショーパンのノクターンなどで、右手の4の右端を使って、鍵盤にぴったりくっつけたまま少し手首を向こう側に返すようにすると、甘い、おねだりするような音が出る(*´▽｀*)
（私は、10本の指の中で右手の4の指が一番萌えます(笑)）

・音をべったり練る
指のしなりを利用して、ピーナツバターをすくうように粘っこくタッチする。メロディの歌い出しなどで、もっとはっきり意思表示したい時は、右手の5を肘から落とすようにする。落ちる瞬間に肘や手首のクッションを使って、固くならないように。

・星のようにキラキラ光る音
根元の関節のバネを使い、指先を少し手前にひっかくようにする。音の響き方は、指先にどれだけ集中させるかによって決まる。光らせたい時は指先を尖らせ、柔らかくしたい時は力を分散させる。

・ダイヤモンドのようにギラギラした音
指先はしっかりひっかきながら、腕の上下運動を併用する。

・強弱
重さを使う方法と指の力で出す方法があり、たいていは両方の合わせ技を使う。

・旋律の弾き分け
フーガなど対位法的な作品で必須の、旋律の弾き分け。強弱ではなく音質で変化をつけるのが理想。弾き分けはタッチのスピードと圧力のかけ方次第で決まる。たとえば、上の線を少し固めの指でスピードの速いタッチで弾き、下の線はやわらかめにじわっと弾く。一方の線には重さをかけ、片方にはかけない。出したい線は指を曲げ、控えたい線はのばす（角度による調節）。などなど。

この章の締めくくりでは、次のように書かれています。

「自分の音をよく聴きなさい」というのは簡単ですが、（中略）「音が出ていない」状態では、聴きたくても聴く音がありません。自分の「歌」を伝えられる音が出て初めて、それを聴き、あとにつづけていくことができるのです。そして、そうした「音」たちの連なりが「モティーフ」であり「フレーズ」であり、「主題」であり「展開」であるのです。

たかが音というなかれ。すべては、たったひとつの「のびる音」から始まるのですから。

まさに底なし沼の深い音の世界です！！
そこが楽しいのですけどね(^^♪　というか、それが楽しいと思えなければ続かないです～～


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tag : 音色,タッチ,青柳いづみこ,指先から感じるドビュッシー,

ピアノを弾くのに無駄な力を入れてはいけないのは言うまでもありません。「無駄な力を入れちゃいけない＝脱力」なのですが、私の中では「脱力」という言葉は、使うのをできるだけ避けているような気がします。どこがスッキリしないのか考えてみると、どうも得体が知れないから…(^^;;　

でも、先日購入した青柳いづみこ先生の『指先から感じるドビュッシー』の中にスッキリした説明がありました。それによると、「ピアノをひくときに脱力が一番大切だ、と口で言うのは簡単ですが、どこかで支える点がなければ力が抜けません」。そう言ってもらえれば腑に落ちやすいですね。その支える点は、具体的には指の一番根元の関節（第3関節）だそうです。そういう明確な説明が欲しかったのよ～～！！で、根元の関節を鍛える方法が載っていたのでご紹介します。いづみこ先生の命名によれば「逆立ち体操」だとか…。

曲げた指ものばした指も、基本になるのは指の根元の関節です。毎日逆立ち体操をして、腕の重さを支えられるしっかりした関節を準備しましょう。各指1本ずつで１）～５）の動作（注：下記）をやります。

ということで、１）～５）の動作をしている自分の手の写真を撮りたかったのですが、難しかったので、本のイメージ画像とともに見て行きましょう。

１）ピアノのふたの上で各指を逆立ちさせ（注：逆立ちというか垂直に立てるといった方が分かりやすいかも？）、根元の関節で重さを支える。→そのとき、他の指（とくに親指）の力が抜けているかどうか確かめる。

２）根元の関節に重さがかかった状態で、ゆっくり手首を下げていく。

３）指を曲げた状態（指の先に鍵盤（の蓋）があたる）で止める→そのとき、根元の関節がしっかり出ているかどうか確かめる。

４）指をのばした状態（指の腹に鍵盤（の蓋）が当たる）で止める→そのとき、各関節（とくに第2）がマムシ（注：逆向きに反り返る）にならないように気をつける。

５）曲げた指ものばした指も、そのままの状態で各々50ずつ数える。（最初は10ぐらいでもいいらしいですが）

早速試してみましたよ～～
私は、5の指以外は苦しくありませんでした。50でも100でも数えますよっ、て感じで(笑)
指の脱力は比較的よくできている気はしていましたが、「逆立ち体操」をやってみて、「既に第3関節がしっかりしていたからか～～」と納得できました。たぶん、子供の頃に正しい弾き方を教わっていたということでしょうね。幸運なことで、ありがたいです。

指に無駄な力を入れないことは（←やっぱりこっちの表現のほうが好きらしい(笑)）、指を痛めないためにというのはもちろん、しっかり歌う音を出すとか表現の上でも重要ですね。引用ばっかりで恐縮ですが・・・

のびる音、歌う音をだすためには、手指が完全に脱力している必要があります。そして完全な脱力を得るためには、根元の関節が重さを支えられるくらいに十分にしっかりしている必要があります。関節が弱いのに力だけ抜いても、ふにゃふにゃした音しか出ません。

最後の一文、そうそう！そうなのよ～～！！と思います。

「逆立ち体操」は効果があると思いますので、おススメです。
今回やってみてダメだった5の指については、私もやってみようと思います(^o^)丿

機会があったら、この本の、のびる音、歌う音など色々な音の出し方についてのタッチの解説も紹介しますね。


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